2. La pintura de iconos como un tipo especial de arte.
La historia del arte y Rusia en su conjunto no se pueden imaginar completamente sin la pintura de iconos, el estudio de su contenido, propósito y la actitud de una parte de la gente hacia ella.
De hecho, hay muchos géneros en el arte de la pintura. Pero, quizás, una de las más condicionadas históricamente, difundidas y poco estudiadas es la pintura de iconos. Es un tipo especial de arte, no reducible a la simple pintura. Este es un tipo de pintura antigua, religiosa en temas, tramas y culto en propósito. La pintura de iconos es una crónica artística de la vida espiritual religiosa de la sociedad. Era un arte aplicado, es decir, servía a la vida cristiana, a la transformación espiritual de una persona. Por lo tanto, el ícono no se consideró una obra de arte, sino un atributo de culto. Rezaron ante el icono, encendieron velas y lámparas, los bendijeron y, a través de ellos, encontraron curación. Dado que la religión era la ideología dominante, ciertamente había un ícono en cada casa.
Icono- Esta es una obra de arte de un tipo especial, a diferencia de una pintura ordinaria. Los Padres de la Iglesia argumentan que la imagen del icono se remonta al prototipo, es decir, no representa la percepción personal del artista de las personas y eventos del evangelio, sino que captura la imagen de lo divino, sobrenatural. El pintor de iconos pinta el icono supuestamente no de sí mismo, sino como si fuera de Dios. A menudo, los pintores de iconos son percibidos como artistas de segunda clase, porque siguen firmemente los cánones, supuestamente no se autorrealizan, sino que como artesanos simplemente se copian unos a otros. Para esto, argumentaron los críticos, no se necesita un conocimiento profundo. Se acusó a los pintores de iconos de tener poco o incluso ningún conocimiento de la anatomía humana.
Otros argumentan que el icono es una obra de arte muy compleja, ejecutada en las tradiciones iconográficas predominantes. Un ejemplo de esto es la "Trinidad" de Rublev, que es venerada como la mayor creación del genio humano.
En el siglo VIII, bajo la influencia de musulmanes y judíos, que consideraban imposible representar al Dios invisible, la pintura de iconos fue prohibida en Bizancio. Los que pintaban iconos y los que los veneraban estaban sujetos a ejecuciones, tormentos y persecuciones.
En 787, la pintura de iconos fue restaurada en el 7º Concilio Ecuménico. Se afirmó que el Cristo representado, o cualquier santo, es venerado en el ícono, y no en el lado material. Aquí se adoptaron las principales interpretaciones y justificaciones dogmáticas en la pintura de iconos.
El lugar de nacimiento de la pintura de iconos fue Bizancio, que adoptó de Egipto la técnica de representar un tipo de retrato. Al mismo tiempo, los caracteres escritos, aún con diferencias individuales, se parecían entre sí en rasgos delgados, ojos enormes y el sello de un desapego lúgubre en sus rostros. Tales retratos formaban parte del culto funerario.
En Rusia, la pintura de iconos apareció con el surgimiento del cristianismo. La Iglesia Ortodoxa Cristiana, y con ella el icono ortodoxo, se establecieron gradualmente en los siglos X-XI. Los primeros murales en las iglesias rusas y las primeras imágenes de rostros y santos que nos han llegado fueron importados de Bizancio o pintados por artistas bizantinos y los primeros pintores de iconos rusos. Sin embargo, sus nombres siguen siendo desconocidos.
Y no es por la pequeña cantidad de hechos históricos. Solo los nombres de las figuras cristianas que ordenaron el ícono se ingresaron en los anales. Los nombres de los pintores de iconos nunca fueron nombrados, ya que el rostro de Dios no podía, según los cánones de la iglesia, ser escrito por una persona. El icono, como se dijo, "se apareció al mundo" mismo, y Dios mismo llevó la mano del artista. Era necesario tener un talento extraordinario para que el nombre del artista fuera nombrado junto al ícono como “el pintor más notorio de todos”. Pero tales artistas aparecieron en Rusia mucho más tarde, en los siglos XIV-XV, durante los años del Renacimiento ruso.
Según la leyenda, el primer icono fue el ubrus. Esta es la toalla con la que se cubrió a Cristo crucificado. Imprimió el rostro de Cristo - "Salvador no hecho por manos". Los siguientes cuatro íconos, retratos de la Madre de Dios, fueron pintados por el médico y pintor griego Lucas el evangelista. Estos íconos ya han adoptado la técnica y las técnicas para representar el retrato de Fayum. Los retratos de Fayum se entendían como retratos pintorescos funerarios griegos antiguos de los siglos I-III, que fueron descubiertos en 1887. Fueron escritos en las pizarras, representando vívidas imágenes de la vida.
El icono como objeto de culto, actuando como intermediario entre Dios y el hombre, fue considerado como un puente entre lo terrenal y lo celestial. Se consideró imposible retratar los medios materiales celestiales e incorpóreos. Para ello se desarrolló todo el sistema métodos extremadamente claros y estipulados por la iglesia.
iconos milagrosos- Nuestra Señora de Vladimir, Donskaya, Feodorovskaya, Smolenskaya, Hodegetria, Kazanskaya, Tikhvinskaya, Iverskaya, Novgorod Sign.
Iconos- los sanadores - La copa inagotable, la All-Tsaritsa, Kozelshchanskaya, la Contorsión de los pecadores, "La Palabra es carne para ser".
Iconos - consoladores en dolores y penas -“Alivia mis dolores”, “Búsqueda de los perdidos”, “Alegría de todos los afligidos”, “Consolador de los dolientes”.
Iconos en cautiverio -íconos retirados del uso de la iglesia debido al robo, el ateísmo, la iconoclastia. - Tikhvinskaya, Tolgskaya, Donskaya.
La Iglesia recomendó escenas bíblicas como tema de imágenes en iconos. Sin falta: imágenes de Cristo, la Madre de Dios, apóstoles, arcángeles, evangelistas, santos canonizados por la Iglesia rusa, guerreros - santos. Un poco más tarde, los íconos se inscribieron con los tipos de iglesias, naturaleza, miembros de la familia de quienes ordenaron el ícono. La Iglesia estableció cánones estrictos de pintura de iconos y supervisó atentamente su observancia. Los requisitos de la iglesia para las bellas artes de culto se fijaron en el canon de la iglesia, que regulaba estrictamente el contenido y la forma de los íconos en la iglesia.
Se aprobaron como disposiciones principales en la redacción de iconos las siguientes:
La base tangible material áspera sobre la que se representa el icono debe disolverse en el flujo de la energía supersensible de lo Divino. Esto se facilitó cubriendo el fondo con oro. Simbolizaba la luz divina, creaba un ambiente resplandeciente, algo inestable, efímero, oscilante entre este y aquel mundo. El icono de fondo dorado, iluminado por una lámpara, parecía aislado, escapando del entorno real y terrenal.
Imágenes de seres sobrenaturales en íconos: Jesucristo, Madre de Dios, profetas, apóstoles, santos deben enfatizar su carácter sobrenatural y sobrenatural. La cabeza, como centro de la expresividad espiritual, se convierte en la figura dominante. El cuerpo retrocede al fondo. El rostro es de sumo interés para el pintor de iconos por la posibilidad de expresar en él cierta contemplación incorpórea y mental. Un artista hábil representa no solo el cuerpo, sino también el alma. En la búsqueda de la máxima revelación de esta alma, el rostro recibe una interpretación sumamente peculiar. Los ojos destacan por su gran tamaño, los labios finos están desprovistos de sensualidad, la nariz aparece en forma de línea vertical, la frente se escribe enfáticamente alta.
Dado que el rostro sobrehumano es un mundo eterno y permanente, las figuras de personajes bíblicos y santos en el ícono deben representarse inmóviles, estáticos.
Dado que no existe una única perspectiva lineal en la representación de los objetos en los iconos, los pintores de iconos combinan varios puntos de vista, varias proyecciones. Las dimensiones de las figuras representadas en el icono no están determinadas por su posición espacial, sino por su significado religioso. Por tanto, la figura de Cristo es siempre más grande que la de los apóstoles.
El tiempo transmitido en los iconos es condicional. La secuencia temporal de los eventos no importa. Por lo tanto, en el mismo ícono, un determinado personaje se representa en diferentes situaciones, separadas entre sí por el tiempo.
Había ciertos requisitos para el color en la pintura de iconos. El color tenía un significado simbólico. El oro era un símbolo de la luz divina, el púrpura, un símbolo del poder real, el blanco, un símbolo de castidad y pureza, el negro simbolizaba la muerte, el infierno, el verde, la juventud, la floración, el rojo, el color del martirio. Si se observaron estrictamente las instrucciones para la imagen de la cara, la ropa se escribió de diferentes maneras. Solo las vestiduras permanecieron inalteradas: Cristo tenía túnica color cereza y manto azul, la Virgen tenía túnica azul oscuro y cobertor color cereza.
Estricto apego a determinados tipos iconográficos. Para ello, en Rusia, el canon de pintura de iconos se realizó en los llamados "originales", que contenían dibujos - ilustraciones. Los originales faciales eran esquemas - dibujos, en los que se fijó la composición principal del icono y las características de color de los personajes utilizados en este. Los "originales explicativos" dieron una descripción verbal de los principales tipos iconográficos. Por ejemplo, se recomendó retratar al evangelista Mateo con un ángel. Marcos, con un león, Juan, con un águila, Lucas, con un becerro, el apóstol Pedro, con la llave del paraíso, Pablo, con una espada, Jorge el Victorioso, con una capa escarlata y un caballo blanco.
La creación de un icono es un asunto largo, problemático y hábil. Las normas y reglamentos dogmáticos de la iglesia también regulaban la técnica de preparación del tablero como base del icono.
Los carpinteros fabricaban tableros principalmente de tilo, a veces de pino, abeto y alerce. El tablero se alisó cuidadosamente con un hacha en ambos lados y se cortó un hueco rectangular en el lado frontal. Resultó que los campos y el medio. En la parte posterior, se rellenaron o cortaron tablones: chapas, para que el tablero no se deformara cuando se secara. Luego, la parte frontal se pegó con un lienzo, un velo y una imprimación, y se aplicó gesso encima. Para el suelo, se hirvió el pegamento de la piel, se trituró la miel, se tamizó y se mezcló con pegamento hasta que parecía una crema. Y luego se aplicó al lienzo en varias capas, se alisó con una espátula, palma, piedra pómez, cola de caballo. Cuando el lienzo estuvo listo, comenzó la imagen de retratos en él.
Según la ejecución técnica, los iconos difieren: cera (exáustica), témpera, mosaico, pintura al óleo.
exausticismo- Esta es una técnica de pintura en la que se utiliza cera como aglutinante de pintura.
Pintura al temple- pintar con pinturas, cuyo aglutinante son emulsiones naturales (yema de huevo, jugos de plantas) o artificiales (solución de pegamento con aceite).
Mosaico- una imagen hecha de piedras de colores, smalt (piezas multicolores de aleaciones de vidrio), baldosas de cerámica, etc., que se reforzaron sobre una capa de cemento, masilla.
Pintura al óleo- Pintura directa al oleo sobre tablas de madera, lienzo, metal.
Al pintar íconos, las pinturas se usaron principalmente de origen natural, mineral y orgánico. Se molieron cuidadosamente en tazones sobre yemas de huevo. Se valoraba especialmente el azul celeste, que se preparaba a partir del material semiprecioso lapislázuli. Trajeron azur de Persia o Asia Central. Si el cliente del ícono era rico, entonces halos, es decir. la imagen del resplandor alrededor de la cabeza, así como los detalles de la ropa, el fondo del icono, se cubrieron con la capa más fina de pan de oro.
La escritura de iconos requería el mayor cuidado, habilidad, comprensión y concentración. No era un oficio ordinario, como la zapatería, la herrería. Antes de comenzar a trabajar, el pintor de iconos pareció limpiarse: ayunó durante un mes, no tomó alcohol en la boca, fue a la casa de baños, se puso una camisa limpia, rezó y solo después de eso comenzó a trabajar.
Primero delineó los colores y la relación entre ellos, luego puso sombras, resaltó el volumen. Luego pintó ropa, paisaje, arquitectura, y solo entonces rostros. A menudo, los pintores se especializaron, es decir, algunos pintaron solo rostros, otros, ropa, otros, paisajes. El pintor creía profundamente en lo que escribía, para él no eran mitos, sino realidad. Gracias a esta fe, el pintor se reveló en los rostros de sublimes valores morales perdurables: bondad, misericordia, perdón, humildad, espiritualidad, resistencia, fidelidad a los ideales. Por lo tanto, los íconos a menudo estaban llenos de un gran contenido espiritual.
El artista cubre el ícono terminado con una capa de aceite secante. La película de aceite secante se espesa, dando a los colores tonos claros y puros.
La gente estaba asombrada con los íconos, por lo que los íconos nunca se vendían ni compraban, sino que se entregaban o intercambiaban, era un ritual. Los iconos antiguos "descoloridos" no se podían tirar ni quemar. Podrían estar enterrados en el suelo o flotar en el agua. En caso de incendio, el ícono primero se sacaba de la casa, y si los conquistadores lo tomaban, el "cautivo" se redimía por mucho dinero. La veneración de los iconos a veces tomaba medidas extremas. Cada adorador llevó su ícono al templo y prohibió a los demás rezar frente a él, considerándolo un santuario personal. El dicho "Sin Dios no hay umbral" reflejaba la existencia real del ícono, ya que era obligatorio en la choza de un campesino, la propiedad de un boyardo y la corte real.
Los íconos más queridos y venerados en Rusia se consideraban íconos que representaban a Cristo Salvador: protector, formidable, justo juez. Las tramas en la iconografía de Cristo fueron diferentes: "La Natividad de Cristo", "La Ascensión al Templo", "La Crucifixión", "La Resurrección con el Descenso a los Infiernos", "Descenso de la Cruz", "El Salvador No hecho por manos”, “Dios Todopoderoso”, etc.
El culto a la Virgen María estaba muy difundido en Rusia. La imagen de una mujer con un niño en brazos se ha convertido en un símbolo del amor materno devoto. La Madre de Dios fue venerada como una amante omnipotente, una intercesora compasiva y misericordiosa del pueblo ante el trono celestial de su hijo. Tradicionalmente, durante muchos siglos fue considerada un símbolo de Rusia, su intercesora y ayudante. Aparentemente, esto se debe al hecho de que uno de los primeros íconos que aparecieron en Rusia fue un ícono bizantino que representaba a la Madre de Dios. El ícono de la Madre de Dios generalmente se colocaba en el lado izquierdo del Salvador, a la derecha, Juan el Bautista. Entre los iconos de la Virgen hay muchos tipos con diferentes composiciones y detalles. El más famoso, que ha sobrevivido hasta el día de hoy, es un icono llamado Nuestra Señora de Vladimir.
El icono de Nuestra Señora de Vladimir es muy conocido y venerado en Rusia. El ícono representa al niño Jesús, sentado a la derecha de la Madre de Dios, presionando firmemente su mejilla contra su mejilla, la Santísima Virgen María con su mano izquierda toca a su hijo, sosteniéndolo. Los ojos de la madre están llenos de sentimientos de alegría y santo dolor. La madre sabe: lo destinado se hará realidad. El niño crecerá y recibirá la corona de un mártir, será crucificado por los pecados humanos en nombre de la salvación de las personas. El artista I. Grabar lo definió como "el canto incomparable, eterno, maravilloso de la maternidad - el amor tierno y desinteresado de una madre por su hijo. En la mirada que busca hay un vago misterio, y un dolor inexpresable en palabras, y una misteriosa , poder tentador, mucho más profundo y expresivo que en la conocida imagen de la Madonna Sixtina" (una pintura de Rafael que representa a la Virgen y el Niño se conserva en la Galería de Arte de Dresde).
La historia de Nuestra Señora de Vladimir no es menos sorprendente que su brillante imagen. En las crónicas, cuentos y leyendas rusas, se capturan muchos episodios milagrosos asociados con la Madre de Dios. La gente recurrió a ella en minutos, horas, años del mayor sufrimiento humano. Ningún icono puede compararse con él en esto.
En Rusia, el evangelista Lucas fue considerado el autor de Vladimir Madre de Dios. El evangelista Lucas fue famoso por su alta educación. No solo era médico, sino también un hábil artista. Los pintores de iconos rusos consideraban a Luka su patrón y, a menudo, lo representaban en iconos. No importa cuán poética sea la leyenda sobre Lucas como el autor de Vladimir Madre de Dios, pero esto es solo una leyenda. El icono fue pintado en el siglo IX después de la muerte de Lucas, a principios del siglo XII por un artista bizantino de talento desconocido.
El ícono fue entregado a Kiev a principios del siglo XII y se mantuvo en la residencia secreta de los príncipes de Kiev en Vyshgorod, no lejos de Kiev, donde se guardaban los tesoros más valiosos de los príncipes.
El príncipe Andrei Bogolyubsky, hijo de Yuri Dolgoruky, durante los años de agitación interna, transportó en secreto el ícono de la Virgen a Vladimir, donde se construyó la Iglesia de la Asunción, la Casa de la Madre de Dios. En Vladimir, el ícono se conservó durante varios siglos, razón por la cual recibió su nombre: Nuestra Señora de Vladimir. Durante estos años, el icono fue saqueado cuatro veces. Los cronistas antiguos cuentan que: "La Santa Madre de Dios del botín, un maravilloso icono del ordash, está decorada con oro, plata y piedras preciosas". Durante las luchas internas y las invasiones de los tártaros, la salvaron cuatro veces en los desiertos monásticos en los densos bosques de Murom, y cuatro veces el ícono "apareció al mundo" en su forma original.
Entre las leyendas sobre el impacto del icono en el curso de los acontecimientos, hay una. en 1395 Innumerables hordas de Tamerlán invadieron Rusia y se trasladaron a Moscú. El príncipe Vasily, hijo de Dmitry Donskoy, recurrió al metropolitano Cyprian para permitir temporalmente, para la protección y patrocinio de Moscú, traer el ícono de Nuestra Señora de Vladimir a la capital. en 1395 El 26 de agosto, todo Moscú, con la esperanza de protección, se encontró con el ícono milagroso. Fue reemplazada en un lugar alto, mirando hacia las hordas que avanzaban. De repente, al día siguiente, llega la noticia de que Tamerlán ha desplegado sus tropas y salió del estado de Moscú. La fe en las propiedades milagrosas de Vladimir Madre de Dios se hizo aún más fuerte entre la gente. Luego, más tarde, los historiadores mostraron que Tamerlán hizo retroceder a las tropas también porque recibió noticias de un mensajero sobre el nacimiento de su hijo, el heredero.
Naturalmente, los príncipes de Moscú querían dejar el ícono como salvador en la capital, pero la gente de Vladimir amenazó con rebelarse y dividirse si el ícono no regresaba al lugar que le correspondía. El príncipe Vasily se vio obligado a invitar a los eminentes pintores de iconos Andrei Rublev y Daniil Cherny a decorar la Catedral de la Asunción en Vladimir con una imagen en lugar de la Virgen. En 1408, un día, los sirvientes de la Catedral de la Asunción en Moscú abrieron el templo y de repente vieron que dos Vladimir Madre de Dios perfectamente similares aparecían ante el mundo. El príncipe Vasily ordenó, con alegría y ternura, elegir cualquiera de los íconos de Vladimir. Uno de los iconos fue devuelto a Vladimir. La Madre de Dios, llevada a Vladimir, resultó ser la original. Pasaron los años, en 1480 Nuestra Señora de Vladimir finalmente se mudó a la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú y no la abandonó durante varios siglos. Solo durante la Gran Guerra Patriótica, el ícono se mantuvo en Novosibirsk, en 1945 regresó a la Galería Tretyakov.
Se cree que durante los últimos siglos, el ícono de Nuestra Señora de Vladimir ha salvado repetidamente a Rusia de invasiones, enfermedades, malas cosechas y disturbios, el tiempo lo ha convertido en un símbolo de Rusia. fe ortodoxa y la cultura rusa. Muchas veces estuvo expuesta al peligro de destrucción, saqueo, exilio, pero una y otra vez la Madre de Dios de Vladimir se apareció al mundo en una forma incorruptible. Y en nuestro tiempo de angustia, el ícono de Nuestra Señora de Vladimir nuevamente atrajo nuestra atención. Por decreto del presidente, el ícono se transfiere de la Galería Tretyakov, donde se han creado las condiciones adecuadas para ello, a la iglesia. Muchos representantes de la cultura creen con alarma que sin las condiciones necesarias y la restauración sistemática, el icono de Nuestra Señora de Vladimir puede perecer.
El milagroso Primer Icono de la Santísima Madre de Dios fue modelo para la pintura de muchos iconos de la Santísima Virgen María. Era un tema favorito de todos los pintores de iconos, y muchas de las réplicas (la repetición del icono del autor) de la Madre de Dios se convirtieron en obras maestras de la cultura rusa. En Rusia, se han desarrollado varios estilos canonizados de representar a la Madre de Dios con un niño.
Uno de ellos, el estilo más cercano a la Madre de Dios de Vladimir, se llamaba "Nuestra Señora de la Ternura". Jesús, sentado a la derecha oa la izquierda de María, apoya su mejilla contra ella. Este estilo incluye el ícono de la Virgen del Don, que, según la leyenda, Dmitry Donskoy llevó consigo a la Batalla de Kulikovo. Se apareció al mundo en el Monasterio de Kolomna, escrito por un autor desconocido. La Madre de Dios de la Ternura también pertenece al estilo de la Madre de Dios de Yakhromskaya (siglo XIV) y réplicas de Nuestra Señora de Vladimir de Andrey Rublev y Daniil Cherny.
El segundo estilo canonizado del ícono de la Madre de Dios es Odigitria (despedida, guía, bendición).En los íconos de este estilo, Jesús se sienta a la izquierda de la Madre de Dios con un pergamino en su mano izquierda, y con su mano derecha amonesta la oración. La Santísima María está frente a su hijo. Este estilo incluye, de los más famosos, el trabajo del pintor de iconos Dionisio y el icono de la Madre de Dios de Kazan.
El ícono de la Madre de Dios de Kazán, junto con el Primer ícono de Vladimir, aunque apareció al mundo mucho más tarde, en el siglo XVII en el Monasterio Sedmiezersky cerca de Kazán, es el ícono ruso más venerado. Fue ella quien, como se cree, traída por Minin y Pozharsky a Moscú, salvó a Rusia de la agitación y de los conquistadores polacos. Fue el ícono de la Madre de Dios de Kazán que acompañó a Kutuzov en todas partes en la guerra con Napoleón. Y hoy este ícono es el más común y venerado entre los ortodoxos. En su honor, se construyó la Catedral de Kazan en San Petersburgo después de la victoria sobre los franceses en 1812.
Además de los estilos anteriores de representar a la Santísima Madre de Dios, los expertos distinguen los siguientes: Nuestra Señora de Tolgskaya, Kosunskaya, Fedorovskaya, Smolenskaya, Georgian, Kaluga, Tikhvinskaya, Athos, Valaamskaya, Hodegetria, Passionate, Three-Handed, Our Señora del Signo, Alegría de todos los que sufren, Oranta, Salto, Mamífero dador, Anunciación, Dormición, Vida, Deesis fila, árbol sagrado, Intercesión.
En Rusia se veneraban iconos de santos. Cada cristiano tenía su propio patrón celestial. Se creía, y ahora se considera, que los santos contribuían, asistían, ayudaban, acompañaban, protegían. En el norte, honraron a Zosima y Savvatheus, quienes fundaron el Monasterio Solovetsky, George the Victorious ayudó a los soldados, Nikolai Ugodnik (el hacedor de milagros): vagabundos, marineros, carpinteros, protegidos de los incendios. Ilya el Profeta estaba a cargo de las lluvias, Paraskeva Pyatnitsa ayudó a los labradores, costureras, comerciantes. Kosma y Demyan se ocuparon de médicos, herreros y joyeros. Cristóbal se mantuvo alejado de pestilencias y epidemias. Flor y Lavra son las cuidadoras de los caballos. Fyodor Tiron cuidaba el ganado. Cyrus, Panteleimon, Cosmas, Damian: curanderos de dolencias. Sergei Radonezhsky, Serafín de Sarov: peticionarios ante Dios por el perdón de los pecados.
En el siglo XV, la estructura de los iconostasios se había desarrollado en la Iglesia Ortodoxa Rusa. También fueron compilados de acuerdo con estrictos cánones y reglas.
En su forma más simple, el iconostasio representaba varias vigas longitudinales: tyabya, en las que se ubicaban los íconos. En las grandes iglesias y catedrales, estas eran estructuras arquitectónicas complejas, decoradas con dorado, tallado en madera, cincelado de plata y pintura. El iconostasio constaba principalmente de 5 filas:
El rango patrístico - que personifica a la iglesia precristiana del Antiguo Testamento. En el centro - Dios - el padre de Sabaoth, a los lados - los antepasados del Antiguo Testamento Adán, Abel, Noé, Abraham y otros personajes de la Biblia.
Un rango profético que representa a los profetas bíblicos que predijeron la venida de Cristo. En sus manos hay rollos desplegados con profecías inscritas.
El rito festivo, narra la vida terrena de María y Cristo, consta de composiciones de múltiples figuras.
Rango Deius (oraciones). En el centro está Cristo en el trono, a la izquierda está la Madre de Dios, a la derecha está Juan Bautista, a los lados están los arcángeles Miguel y Gabriel, los apóstoles Pedro y Pablo, los santos Jorge el Victorioso y Dmitri Tesalónica, los padres de la iglesia. Están representados en poses de oración, pues el día del Juicio Final todos rezan a Cristo por los pecadores.
La grada local, donde se colocaban los iconos de los santos más venerados de la zona. También representaban las fiestas de la iglesia local.
El iconostasio de cinco filas estaba presente en las iglesias pequeñas. En las grandes iglesias, catedrales, los iconostasios eran y son de varias filas, ocupando grandes espacios cómodas paredes. Se ven hermosos, convincentes e influyen con éxito en las almas de los creyentes.
Escuelas de pintura de iconos en Rusia, pintores de iconos rusos.
Los primeros iconos aparecieron en Rusia desde Bizancio. Un monumento destacado de la pintura de caballete (icono) es el famoso icono "Nuestra Señora de Vladimir". En 1113, el icono fue enviado por el Patriarca de Constantinopla al santo príncipe de Kiev y colocado en el Monasterio de la Doncella de Tsaritsyn. Luego el icono fue transportado a Vladimir.
Casi el primer ícono conocido en Rusia por un autor desconocido fue el ícono "Ángel con cabello dorado". El pequeño icono representa parte de un tríptico formado por imágenes separadas de Cristo y dos ángeles a los lados. Un rostro joven, brillante y rojizo con un óvalo suave, enmarcado por un cabello dorado rizado, crea una imagen emocionante de belleza pura y casta.
A mediados del siglo XII, apareció el ícono "El Salvador no hecho a mano", en la parte posterior se representa otro ícono "Glorificación de Cristo". Autor desconocido.
En el siglo XII, se veneraba el icono de "Dmitry de Tesalónica". En el ícono se encontró el letrero familiar del Príncipe Vsevolod el Gran Nido. Esto permite a los críticos de arte afirmar que el ícono era principesco.
Un ícono venerado en Rusia también fue el ícono "Boris y Gleb"; se desconoce el autor. Este ícono representa a dos santos de pie uno al lado del otro con elegantes ropas hechas de piedras preciosas, con sombreros principescos, con espadas y cruces en sus manos. Estos son los hijos del príncipe Vladimir de Kiev, que fueron asesinados por su medio hermano Svyatopolk, que quiere reinar. Luego, estos hermanos fueron declarados los primeros santos rusos, quienes fueron considerados los patrones del estado ruso. Sus hermosos rostros jóvenes llevan la impronta de los rasgos de un retrato genuino. Los jóvenes príncipes fueron la encarnación de la devoción patriótica, la destreza militar y la fortaleza. El icono es una perla del antiguo arte ruso en cuanto a la fuerza de la imagen artística y la asombrosa belleza de la pintura.
La pintura de íconos atrajo al arte a muchos pintores talentosos, creó escuelas de maestros de Novgorod, Pskov, Moscú, Yaroslavl Stroganov y otros.El ícono se convirtió en un atributo indispensable de la vida espiritual familiar y social. Teniendo raíces profundas, la pintura de iconos continúa hoy. Se concentra principalmente en talleres monásticos, talleres de templos, etc.
En la historia de la pintura de iconos, se han desarrollado escuelas: Godunov, Novgorod, Pskov, Moscú, Stroganov, tendencia lírica - contemplativa en la pintura de iconos, la escuela del nuevo ideal artístico de Simon Ushakov.
Las escuelas de pintura de Novgorod y Pskov fueron las más fructíferas, profesionales y hábiles.
pintores de novgorod creó muchos iconos, frescos monumentales, miniaturas, manuscritos. Pintaron iconos, pintaron templos. Sus colores eran impecables, multicolores, las tramas eran sencillas. Las características de su iconografía incluyen:
concisión y sencillez de la trama compositiva;
coraje en la representación de figuras humanas;
la belleza de la paleta;
claridad en la interpretación de las historias bíblicas.
Los frescos monumentales son especialmente llamativos: se aplica una solución de pintura a base de agua sobre yeso húmedo, están indisolublemente conectados y se conservan durante muchos siglos.
Los santos representados por los novgorodianos son comprensibles para las personas, estrechamente relacionados con sus vidas: el profeta Ilya, que llueve sobre la tierra, San Nicolás, el santo patrón de los viajeros, carpinteros, protector del fuego, el mal eterno de los novgorodianos. - carpinteros, Vlasy, Flor, Laurus - santos del "ganado", Paraskeva Friday es la patrona del comercio, etc.
Del siglo XIII se conservan iconos con figuras de varios tamaños. Entonces, en el ícono, donde hay tres santos: Juan de la Escalera, San Juan. Jorge y San Blasius enfatiza la posición dominante de Juan. El maestro lo representa el doble de grande que otros santos. El trabajo reflejado espectáculos folclóricos y gustos Es decir, se representan los santos: los patrones de la economía campesina, tienen rostros típicos rusos, en el espíritu del arte popular, y el fondo del ícono es rojo.
La practicidad del pensamiento de Novgorod y el manejo relativamente libre de los cánones de la iglesia llevaron a la aparición de íconos con elementos de retrato en el siglo XV. Entonces, en el ícono "Rezando Novgorodians" en el nivel superior, se representa una deesis de siete cifras (una composición de la imagen de Cristo). Y en el inferior están los miembros muertos en oración de la familia del boyardo de Novgorod (cliente del ícono): hombres de diferentes edades, una mujer, dos niños con trajes típicos rusos antiguos.
Los iconos hagiográficos están muy desarrollados. Representaron los eventos más importantes en la vida del santo, sus obras. En los siglos XIII-XIV. se está formando la iconografía de la imagen más querida en Rusia "Nuestra Señora de la Ternura". Particularmente notables son los murales de los templos y los íconos individuales sobre el tema de Cristo y la Madre de Dios. Entre ellos, se puede observar la pintura en la Catedral de Santa Sofía - "Konstantin y Elena", el ícono "Apóstoles Pedro y Pablo" - del siglo XII, el ícono "George" - ahora ubicado en la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú. Icono de la Natividad de Cristo, principios del siglo XV. Icono "Nuestra Señora del Signo" - siglo XII, icono "Apóstol Pedro y Mártir Natalia" - siglo XII, icono "Milagro de Flora y Lavra" - siglo XV. Icono "Juan, Jorge y Blasio" - siglo XIII.
La pintura de Novgorod a fines del siglo XV estuvo influenciada por el gran pintor bizantino Teófano el griego (1340-1405). Pintó alrededor de 40 iglesias en Constantinopla, Novgorod y otras ciudades. Las iglesias de la Transfiguración del Salvador pintadas por él se han conservado en Novgorod. En Moscú - la Iglesia de la Natividad de la Virgen, el Salvador en Nereditsa. Las características de su carta son las siguientes:
transmisión de luz divina en forma de reflejos blancos brillantes;
color apagado, sobrio, ascético, tonos marrones y gris azulado.
La pasión y la tensión extraordinaria emanan de sus imágenes, que representan un cierto tipo de santo colectivo, en el que Teófano expresa su ideal moral, la visión de Rusia, el pueblo. Sus principales obras: "El Salvador en la Fuerza", "Nuestra Señora", "Juan Crisóstomo", "Nuestra Señora del Don".
En el siglo XV, se creó un ícono, que se llama "Batalla de novgorodianos con suzdalianos". En 1170, la gente de Suzdal hirió el icono "Nuestra Señora del Signo" con una flecha en el ojo. El ícono cegó a la gente de Suzdal, le dio la victoria a Novgorod. El ícono tiene 3 filas: la superior: los novgorodianos de las paredes del Kremlin van al ícono "Nuestra Señora del Signo", la del medio: las negociaciones de los embajadores, la inferior: la victoria de los novgorodianos, con ellos. los Santos - George, Boris y Gleb, Alexander Nevsky. Este ícono es la glorificación de Novgorod, cuyo símbolo era la Catedral de Santa Sofía.
Se considera peculiar escuela pskov. Sus rasgos característicos en la escritura de iconos se pueden llamar:
alguna melancolía del color general;
densos tonos verdes y rojo anaranjado, marrones oscuros y colores blancos cegadores;
cortar lugares claros en la ropa con destellos dorados;
las caras tienen un tinte marrón oscuro, se colocan jugosos espacios en los pómulos, alrededor de las sombras debajo de los ojos, lo que le da un enfoque a la mirada;
tantos actores como sea posible se acomodaron en un pequeño espacio de íconos.
Uno de los primeros monumentos de Pskov es el "Deesis", la primera mitad del siglo XIV. En el centro está el Todopoderoso Salvador, Juan el Bautista, los Arcángeles Miguel y Gabriel, los Apóstoles Pedro y Pablo. Los íconos más famosos de la escuela de Pskov son "Descenso al infierno", que data del siglo XV y principios del XVI, "Dmitry de Tesalónica", "Arcángel Gabriel", "Paraskeva Friday in Life".
Creador Pintura de iconos al estilo de Moscú se convirtió en un brillante artista ruso Andrei Rublev (1360-1430). Era un monje de la Trinidad-Sergius Lavra y un anciano del Monasterio Andronnikov. Las obras confiablemente conocidas de Rublev son íconos del rango de Zvenigorod. Rublev contrastó la severidad y la tensión expresiva del lenguaje de Feofanov con su propio estilo vívidamente individual:
sin detalles del hogar;
sin gestos duros y brillo;
las transiciones del color de las pinturas a la sombra son graduales.
Las obras auténticas del artista incluyen "Arcángel Miguel", "Apóstol Pablo", "Cristo". Enormes figuras de Pedro y Pablo en los iconos de la Catedral de la Asunción en Vladimir, "Trinidad" (siglo XV). La tendencia Rublevskoe en la pintura de iconos continuó existiendo en el trabajo de Dionisio (1440-1519). Dionisy trabajó principalmente en monasterios, iglesias, catedrales cerca de Moscú. Pintó todos los íconos para la Catedral de la Asunción del Kremlin, pero solo dos han sobrevivido: los metropolitanos Peter y Alexei, imágenes idealizadas de ancianos majestuosos con tipos de rostros rusos. Los íconos de Dionisio son inusualmente festivos, ya que su color es verde, amarillo pálido, rosa, blanco. El tema principal es la glorificación de la Madre de Dios.
Los 1.500 íconos del Monasterio Ferapontov y los íconos individuales del Monasterio Pavlo-Obnorsky han sobrevivido mejor. Las principales obras de Dionisio son los íconos "Odegetria, la Madre de Dios", "Metropolitan Alexy en su vida", "Crucifixión", "Salvador en fuerza". La creación más significativa fue el ciclo de murales en la Catedral de la Natividad de la Theotokos en el Monasterio de Ferapontov. Aquí están los colores azules, la solemnidad de la situación, la composición de múltiples figuras. El artista luchó por la belleza externa y el esplendor decorativo, fortaleció los principios planos, hizo que las imágenes fueran más abstractas.
El siglo XVII es uno de los períodos más difíciles de la historia medieval rusa. Sus contradicciones se reflejan claramente en la pintura, en la que se dibuja con mayor claridad el proceso de secularización de la cultura. A finales de los siglos XVI y XVII. surge una nueva tendencia en la pintura de iconos rusos: la escuela Stroganov. Los mejores maestros: Prokopy Chirin, Istoma Savin.
Icono de Stroganov- de tamaño pequeño, no es tanto una imagen pequeña como una miniatura preciosa, diseñada para un conocedor. La escuela Stroganov se caracteriza por:
escritura cuidadosa y fina;
sofisticación del dibujo;
caligrafía virtuosa de líneas;
riqueza de ornamentos;
abundancia de oro y plata;
el principio estético oscurece el significado de culto de la imagen.
Uno de los artistas famosos de Stroganov fue Prokopy Chirin, su famosa obra es Nikita the Warrior. La práctica de la escuela Stroganov fue continuada por los mejores pintores de iconos reales y pintores de la Armería.
Simon Ushakov (1626-1686) es una figura destacada entre los pintores de iconos. A Simon Ushakov le gustaba representar rostros. No es casualidad que haya escrito repetidamente el Salvador no hecho por manos. Esto le permitió mostrar el dominio del claroscuro, el conocimiento de la anatomía. Pero los historiadores del arte creen que las leyes de la pintura de iconos se combinan con la escritura real. En su obra de pintura de iconos, ya son visibles los intentos de retratar personas vivas. Este destacado artista determinó con su obra la naturaleza del arte de la época, creó una escuela de estudiantes. Entre ellos se encuentran los sucesores de las tradiciones de Ushakov: Grigory Zinoviev, Tikhon Filatiev, Nikita Pavlovets, Fedor Zubov.
Numerosas variaciones sobre los temas de los íconos "Salvador no hecho a mano", "Trinidad", "Anunciación" muestran cómo Ushakov trató de deshacerse de los cánones condicionales de una imagen de monopolio. el logra:
tono de carne de la cara;
perspectiva enfatizada;
regularidad clásica de rasgos;
volumen de espacio.
Entonces, a pesar de la similitud compositiva con la "Trinidad" de Rublev, la "Trinidad" de Ushakov no tiene nada que ver con eso. No tiene la espiritualidad y la belleza del ícono de Rublev. Los ángeles de Ushakov se convierten, por así decirlo, en seres carnales. Y sobre la mesa, un bodegón está pintado de forma casi realista. Así, en el ícono de la alegoría política "Encontrando el Árbol del Estado Ruso" los rostros del Zar Alexei Mikhailovich, su esposa e hijos tienen un parecido de retrato, espiritualizado, con rasgos vivaces. Esto destruyó los cánones de la pintura de iconos rusa, el plano del icono. Un intento de escribir como en vida se convirtió en falta de vida.
Entre los pintores de íconos famosos que crearon ejemplos únicos de arte eclesiástico se encuentran los siguientes: Theophan the Greek, Andrei Rublev, Dionysius, Grigory Zinoviev, Tikhon Filatiev, Prokopy Chirin, Nikita Pavlovets, Istoma Savin, Semyon Spiridonov from Yaroslavl, Fyodor Zubov, Simon Ushakov .
Así, el siglo XVII completa más de siete siglos de historia del arte antiguo ruso. Desde entonces, la antigua pintura rusa de iconos ha dejado de existir como sistema artístico dominante. La pintura de iconos rusos antiguos es un patrimonio vivo e invaluable que brinda a los artistas un impulso constante para la búsqueda creativa. Abrió y abre el camino para el arte contemporáneo, en el que se encarnará mucho de lo que se estableció en la búsqueda espiritual y artística de los pintores de iconos rusos.
Y escribir) - pintura de iconos, pintura de iconos, un tipo de pintura, religiosa en temas y tramas, culto en propósito. En el sentido más general, la creación de imágenes sagradas destinadas a ser un intermediario entre el mundo divino y el terrenal durante la oración individual o en el curso del culto cristiano, una de las formas de manifestación de la verdad divina.
Por un lado, es costumbre separar otras formas de bellas artes eclesiásticas de la pintura de iconos: pintura monumental (pared) (fresco, mosaico, etc.), miniatura de libros (por ejemplo, imágenes y esmaltes cincelados, fundidos, costura); por otro lado, la pintura de contenido religioso, basada en la interpretación del autor de la historia bíblica y dirigida a la experiencia sensual del espectador.
Un ícono en el sentido estricto de la palabra significa un trabajo de caballete independiente. En esto se diferencia de otras formas de pintura eclesiástica, que dependen más del contexto (los programas para pintar la iglesia, el contenido del libro, las funciones de los utensilios litúrgicos). Por regla general, el icono se representa en el tablero y puede ocupar lugar permanente en una casa o iglesia, o sacada para procesiones religiosas.
mirando el icono básico tienen iconografía y estilo. Se entiende por iconografía la composición de la imagen: la trama, las personas y sus acciones, los objetos y el entorno, solución compositiva. La iconografía se caracteriza por un determinado conjunto de temas con iconografías tradicionales, fácilmente reconocibles. La iconografía destaca por su constancia, pero admite variaciones y variantes iconográficas, con cambios en los detalles. Hay patrones estilísticos generales de la pintura de íconos, es decir, el ícono tiene su propio estilo.
La iconografía se caracteriza por los siguientes rasgos estilísticos:
- se utiliza un sistema especial para representar el espacio (la llamada "perspectiva inversa", algunas caras u objetos representados en primer plano pueden tener un tamaño mucho más pequeño que los representados detrás de ellos, esto se debe al hecho de que lo más importante en el icono siempre se indica con tamaños más grandes)
- la imagen puede combinar eventos que tuvieron lugar en diferentes momentos y en diferentes lugares, o el mismo personaje se representa varias veces en diferentes momentos de la acción
- todos los personajes están representados en ciertas poses y vestimentas adoptadas por la tradición iconográfica, la santidad de las personas y los ángeles representados se enfatiza por el resplandor alrededor de sus cabezas: halos
- no hay una fuente específica de iluminación (toda la imagen es luminosa), no hay sombras que caen (Dios es Luz, y no hay oscuridad en Él), y el modelado claroscuro de los volúmenes se aplana o se reduce a nada, pero hay volumen en el icono: se crea utilizando un sombreado o tono especial
- las proporciones del cuerpo humano son estilizadas (se alargan o a veces se acortan por el contrario), los pliegues de la ropa, la forma de los toboganes, la arquitectura
- se utiliza un simbolismo especial de color, luz, gestos, atributos
Se cree que la totalidad de las técnicas visuales inherentes a la pintura de iconos forman un sistema de signos especial o, en otras palabras, un lenguaje, es decir, un icono es un texto (en el sentido semántico de esta palabra).
iconografía iconografía
La escritura de iconos, un tipo de pintura (principalmente medieval), religiosa en temas y tramas, culta en propósito. A diferencia de los murales ( cm. Pinturas murales, frescos) y miniaturas, obras de pintura de iconos - iconos - son composiciones pictóricas separadas, realizadas (sobre tablas de madera, lienzos, menos a menudo sobre placas de metal, etc.) inicialmente utilizando la técnica encáustica ( cm. pintura a la cera), luego principalmente témpera y, en casos raros, mosaicos, y más tarde (principalmente a partir del siglo XVIII) pintura al óleo. La técnica de fabricación acerca la pintura de iconos a la pintura de caballete ( cm. El arte de caballete), sin embargo, los iconos, generalmente incluidos en un único complejo ideológico y artístico con la arquitectura, las artes decorativas y aplicadas, incluidas en el conjunto del iconostasio, no pueden ser consideradas como obras completamente de caballete. El término "pintura de iconos" se usa principalmente para referirse a la pintura de culto medieval cristiana (principalmente ortodoxa).
Los monumentos de pintura de iconos más antiguos que se conservan provienen de Asia occidental, incluida la península del Sinaí, y datan del siglo VI a. Basado en la tradición helenística tardía de los retratos funerarios ( cm. Retratos de Faiyum) se crearon primero supuestamente imágenes de retratos de santos, mártires y luego otros personajes de leyendas cristianas. Algo más tarde, en la pintura de iconos, aparecieron composiciones argumentales, que en un principio eran principalmente simbólicas, y más tarde (a partir de los siglos X-XI) también tenían un carácter narrativo. La pintura de iconos se desarrolló especialmente en Bizancio; Las escuelas originales de pintura de iconos surgieron en el Egipto copto y Etiopía, en los países eslavos del sur, en Georgia. La pintura de iconos rusos antiguos adquirió un brillo artístico y una originalidad excepcionales.
En la Edad Media, el papel de la pintura de iconos nunca se limitó a su funcionamiento ritual: en formas condicionales y abstractas, ciertas características La cosmovisión teológica medieval, reflejaba la experiencia estética del pueblo, era uno de los principales medios de exploración artística del mundo. La estética de la pintura de iconos exigía la encarnación de un contenido suprasensible "divino" en imágenes visibles, percibidas sensualmente, pero desprovistas de concreción material, idealmente sublimes, diseñadas, según los teólogos, para transmitir alguna esencia espiritual interna del mundo real. En la práctica artística de la pintura de iconos, se desarrolló un sistema de métodos condicionales para reproducir la realidad: no hubo transmisión de volúmenes reales y espacio tridimensional, una imagen plana se colocó sobre un fondo abstracto, a menudo "dorado", la elección de elementos y accesorios del paisaje se sometió a la tarea de revelar el significado simbólico o narrativo de la composición. El principio compositivo-rítmico, la expresividad de la línea y el color, a menudo locales, juegan el papel principal en la formación de la estructura figurativa de las obras de pintura de iconos. En el arte medieval cortesano-aristocrático, donde las tradiciones de la antigüedad eran fuertes, prevalecía la noble altura de la imagen, el refinamiento de su estructura espiritual y la elegancia de la forma. Las representaciones folclóricas (ya veces precristianas), la figuración fabulosamente poética y la narración sencilla a menudo resultaron ser más características de la iconografía de las escuelas locales.
Rechazando la semejanza visual de la vida de las imágenes, los maestros de la pintura de íconos formaron de manera más cuidadosa e intrincada la expresividad emocional de la imagen. La iconografía introdujo una serie de nuevos motivos psicológicos en el arte: destreza moral, ternura de la maternidad, sentido de la compasión, dolor trágico y júbilo gozoso. La necesidad de seguir un estricto canon iconográfico ( cm. La iconografía), que fijaba los esquemas compositivos generales y los principales detalles de la imagen, llevó a los pintores de iconos medievales a comprender la estructura espiritual de las imágenes de una manera particularmente sutil y sofisticada.
La integridad de los principios estéticos de la pintura de iconos se vio socavada por la crisis de la cosmovisión medieval y el desarrollo de la cultura del Renacimiento. Con el surgimiento en ciertos países de búsquedas realistas, características del arte de los tiempos modernos, la pintura de iconos primero pasa a formas de compromiso, y luego cae en declive, convirtiéndose gradualmente en un oficio.
Literatura: V. N. Lazarev, Historia de la pintura bizantina, vol.1-2, M., 1947-48; el suyo, icono ruso, en su libro: Pintura medieval rusa. Artículos e investigaciones, M., 1970; His, pintura rusa de iconos desde los orígenes hasta principios del siglo XVI, libro. 1-6, M., 1983; M. V. Alpatov, Pintura rusa antigua, 3ª ed., M., 1984; Onasch K., Die Ikonenmalerei, Lpz., 1968.Fuente: Enciclopedia de Arte Popular. ed. Campo VM; M.: Editorial "Enciclopedia soviética", 1986.)
pintura de iconosEl arte de crear íconos, un tipo de pintura religiosa, que se caracteriza por un lenguaje artístico especial, técnica y métodos de creatividad. La pintura de iconos es una parte integral de la tradición ortodoxa; Los pintores de iconos crean imágenes destinadas a la oración, que encarnan la idea del mundo divino y expresan el sentimiento religioso. La adición de los principios y reglas de la pintura de iconos se produjo junto con la adición de las ciencias teológicas: dogma (presentación científica y justificación de los dogmas, las disposiciones principales, de la doctrina cristiana) y liturgia (la teoría del culto cristiano en la iglesia). El dogma de la veneración de iconos fue adoptado en el Séptimo Concilio Ecuménico (787) y finalmente aprobado en 843 como resultado de la victoria sobre la iconoclastia. Un icono (del griego eikṓn - imagen, imagen) es una imagen sagrada en la que para un creyente se combinan lo visible y lo invisible, lo corporal y lo espiritual, lo terrenal y lo celestial. Las imágenes de los iconos se vuelven hacia la eternidad, donde ya se ha producido la victoria del bien sobre el mal y de la luz sobre las tinieblas; Por lo tanto, el lenguaje de la pintura de iconos son los símbolos y los signos. Para este arte, un método realista de representación es imposible. En realidad, un icono no es sólo una imagen pintada pintura al temple o pinturas de cera sobre tabla, pero también cualquier imagen que se caracterice por el lenguaje artístico de la pintura de iconos: mosaico, fresco, bordado, miniatura de libro, talla en relieve, etc.
Los íconos reemplazaron las primeras imágenes cristianas de Cristo (siglos III-IV), en las que aparecía simbólicamente en imágenes. cordero, Buen Pastor (pastor). La iconografía surgió de la pintura helenística tardía, de Retrato de Fayum. Gradualmente, el lenguaje de la pintura se volvió más y más convencional, la imagen gravitó hacia la planitud, el caparazón corporal fue privado de materialidad, disuelto en la luz. Según la tradición cristiana, el primer pintor de iconos fue S. el evangelista y apóstol Lucas, que creó iconos milagrosos de la Madre de Dios; la imagen de la Madre de Dios de Vladimir se consideró una lista (copia) de uno de los primeros íconos pintados por St. luca Los íconos más antiguos que se conservan datan de los siglos V y VI; aparecieron en los países de Asia occidental, incluida la península del Sinaí. Las mayores escuelas de pintura de iconos se desarrollaron en Bizancio, entre los coptos (cristianos) de Egipto, en Etiopía, los países eslavos del sur y Georgia. Después de la división del Imperio Romano en partes oriental y occidental, la actitud hacia las imágenes sagradas también cambió. Los teólogos de Europa occidental les asignaron el papel de solo una ilustración pintoresca de los textos sagrados, lo que condujo a la transición de un icono a una pintura religiosa en la época. Renacimiento.
En Rusia, la pintura de iconos comenzó a desarrollarse con la adopción del cristianismo (988). El primer pintor de iconos destacado fue el monje Alipiy, un monje del Monasterio de las Cuevas de Kiev, que vivió entre los siglos XI y XII. La pintura rusa de iconos alcanzó su apogeo en los siglos XIV y XV. en creatividad Teófano el griego, Andrei Rublov y Dionisio. Los nombres de pintores de iconos famosos se dieron a conocer gracias a las fuentes de la crónica. Los viejos artistas rusos nunca firmaron sus obras, realizándose solo como intermediarios reverentes en el sacramento de la encarnación de imágenes sagradas. No es casualidad que en muchos íconos y miniaturas de libros haya una imagen de un ángel que lleva al pintor de íconos con su mano.
Los planos superficiales, sin segundos y distantes, el espacio de los íconos está lleno del resplandor de la luz dorada (un símbolo de la luz Divina, el Reino de los Cielos, en el que no hay sombras). Luz divina - en los fondos dorados de los iconos, en nimbach alrededor de las cabezas de personajes sagrados, en brillantes líneas doradas-rayos (asistencias) en la ropa. Así, el mundo montañoso (más alto, celestial) se revela a la gente. Lo más cercano al oro a su manera significado simbolico blanco, que también denota color y luz (un símbolo de rectitud, pureza, transformación). Este color juega un papel importante en las imágenes de fuego de Teófanes el griego, que purifican el alma. En contraste con el blanco está el negro, en el que no hay luz; este es el color más alejado de Dios, el color del mal y la muerte (el negro en los íconos denota cuevas, personificando tumbas y un enorme abismo infernal). En otros casos se evitó el uso del negro; incluso los contornos de las figuras estaban delineados en rojo oscuro o marrón. La franja en la parte inferior del ícono estaba pintada de marrón o verde oscuro, lo que denota simbólicamente la tierra ("pozyom"). Mezclado con el púrpura real (rojo oscuro) en la ropa de la Madre de Dios, el marrón recordaba su naturaleza humana perecedera (mortal), mientras que el púrpura atestiguaba la grandeza de la Reina del Cielo. El color púrpura (carmesí) jugó un papel importante en la cultura bizantina. es un simbolo poder supremo“Dios en el cielo, emperador en la tierra. El color verde, natural, vivo, es el color del Espíritu Santo, la esperanza, el eterno florecimiento de la vida. El rojo es el color del calor, la vitalidad, la Resurrección y al mismo tiempo la sangre, el sufrimiento y el sacrificio de Cristo. Los mártires fueron pintados con túnicas rojas con cruces en las manos. El rojo y el azul juntos significan lo terrenal y lo celestial, encarnados en las imágenes del Salvador y la Madre de Dios, por lo tanto, sus ropas están escritas en estos colores.
Los rostros de los iconos se representan frontalmente; incluso cuando se interpretan personajes uno frente al otro, sus figuras y caras se dan en una extensión de tres cuartos. Sólo se representan de perfil personajes negativos (Judas) o menores (sirvientes, gente de la multitud, etc.). En la eternidad que muestran los íconos, los detalles cotidianos desaparecen, el tiempo terrenal y el espacio tridimensional no existen. Todos los eventos - pasados, futuros y que tengan lugar en este momento- se fusionan, no tienen principio ni fin. Las emociones tormentosas humanas no se expresan en imágenes de pintura de iconos, están desprovistas de psicologismo (esta es su diferencia con las pinturas religiosas). El icono no representa el rostro de una persona, sino el rostro iluminado de un santo limpio de todo lo accidental y transitorio, alejado de pasiones terrenales y mirando el mundo de las personas con los ojos bien abiertos y "llenos del alma".
Por reglas especiales se está construyendo un espacio iconográfico. No usa directo perspectiva; los objetos son visibles desde todos los lados, las líneas no se pierden en la distancia, hasta la línea del horizonte (que no está en los íconos), sino que convergen hacia el que está frente al ícono, abriendo el mundo de la eternidad y el infinito ante una persona. Así se crea la llamada iconografía. perspectiva inversa.
Separando simbólicamente la imagen del icono del mundo terrenal, se hace una profundización (arca) en el tablero, luego se aplica tierra (gesso), sobre la cual se pinta la imagen, generalmente con pinturas al temple (en Rusia se amasaban en huevo yema de huevo). En el arte ruso antiguo, la pintura estaba representada principalmente por iconos y frescos. En el siglo 18 como resultado de las reformas de Peter, comienza a predominar la pintura secular, pero las tradiciones de la pintura de iconos han sobrevivido hasta nuestros días. Los iconos continuaron siendo pintados a lo largo de los siglos por los maestros de los centros de arte antiguos (Palekh, Mstera, Kholuy). Hoy en día, el arte de la pintura de iconos se está reviviendo nuevamente, se están creando talleres de pintura de iconos en iglesias y monasterios.
iconografía o la iconografía es el arte de pintar imágenes sagradas: la cruz, iconos sagrados destinados a honrar a los cristianos. Es diferente a la pintura. El artista, cualquiera que sea su dirección, en primer lugar es creatividad individual: pinta un cuadro para satisfacer el sentido estético, pinta, como sugiere su fantasía creadora; mientras tanto, el pintor de iconos pinta un icono, una imagen en la que se expresa la conciencia religiosa de la iglesia, que sirve como objeto de veneración reverente, está destinada a la oración. A partir de aquí, todo en el icono debe ser serio, majestuoso, elevar el espíritu de oración, dirigirlo al cielo. Por lo tanto, el artista debe pintar el icono no sobre la base de "sus conjeturas", sino de acuerdo con la "tradición de la iglesia". Este requisito se aplica a toda la pintura de iconos bizantinos y rusos, se entiende por definiciones de la iglesia cuando hablan de la necesidad de pintar iconos "a imagen y semejanza y de acuerdo con las mejores muestras antiguas, y nada se puede hacer a partir de su propia invención". ” Tal adherencia a la tradición de la iglesia no excluye incondicionalmente la creatividad personal. pintor de iconos en forma externa busca transmitir una descripción de una persona o evento legado a él por los libros de la iglesia o la tradición. Los motivos separados, en particular en la representación de la cara, le fueron transferidos por tradición, pero él es completamente libre en la combinación creativa de estos detalles para recrear la figura completa. Siguiendo la leyenda, el pintor de iconos crea "una cierta tipo ideal". Un ejemplo de tal comprensión de la pintura de íconos pueden ser las obras del famoso artista Vasnetsov, quien logró combinar en ellas la libertad de creatividad y la severidad del estilo de la iglesia.
Historia de la pintura de iconos. El comienzo de la pintura de iconos debe atribuirse a los primeros siglos del cristianismo, ya que los primeros cristianos ya usaban imágenes sagradas, aunque en su mayoría de carácter simbólico: bajo la amenaza de persecución y persecución, escondían sus imágenes sagradas bajo símbolos. Este fue el primer período de la pintura de iconos. Los cristianos utilizaron técnicas heredadas del arte antiguo, tomando prestadas formas de él, pero vertiendo en ellas su propio contenido; por eso el primer período de la pintura de iconos tiene un carácter antiguo. Esto continuó hasta principios del siglo IV, hasta el triunfo del cristianismo, cuando los cristianos pudieron expresar abiertamente sus creencias en imágenes sagradas. A partir de aquí comienza el segundo período de la iconografía cristiana, el período de formación de un vasto círculo de "imágenes sagradas históricas". La mayoría se crean de nuevo, algunos se transfieren del primer período, pero la forma antigua de este último renace en el "bizantino". El arte antiguo se distingue por la suavidad, la ligereza, la gracia de las formas, el amor por el cuerpo desnudo y la alegría; en el arte cristiano, las personas representadas transmiten importancia, grandeza, severidad: el cuerpo está cuidadosamente cubierto con ropa, bajo la influencia de Oriente, el amor por el brillo, el oro se intensifica, las ropas de los santos representados están cubiertas piedras preciosas. Entonces, el tipo anterior del Salvador, en forma de hombre joven, del siglo IV. cambia: el rostro adquiere una expresión severa, el cabello se vuelve más largo con una raya en el medio, aparece una barba, un halo cruzado: los rasgos en los que se representa al Salvador en el arte cristiano hasta el día de hoy. La misma grandeza caracteriza el tipo bizantino de la Madre de Dios de los siglos IV al V. Tipos de los apóstoles Pedro y Pablo, de origen juvenil, del siglo IV. adquiera un aspecto envejecido. De nuevo hay muchas imágenes de la vida del Salvador, Madre de Dios, santos, escenas de martirio. En una palabra, el arte acompaña la vida de la iglesia: se establecen nuevas fiestas, aparecen íconos en su honor; El dogma cristiano se expresa en ciertas fórmulas, y el arte cristiano tiende a tomar forma en ciertas formas; El tipo ascético comenzó a caracterizar la iconografía bizantina en oposición a la occidental. El apogeo del arte cristiano cae en el siglo VI-VII. La época brillante del reinado de Justiniano el Grande suscitó una fuerte actividad artistica y nos dio buenos ejemplos de arte cristiano, por ejemplo. Santa Sofía y sus mosaicos, mosaicos de Ravvensky (s. V-VI), Tesalónica (s. V-VI). La era de la iconoclastia trajo confusión a la historia de la pintura de iconos, pero no pudo destruirla. A partir del siglo IX, con el fin de las disputas iconoclastas y un nuevo renacimiento político de Bizancio, comenzó un período de prosperidad secundaria del arte bizantino, que se prolongó hasta finales del siglo XII. Durante este tiempo, se formaron casi todas las tramas de pintura de iconos, se crearon tipos de todo tipo de imágenes. Del siglo XII comienza la caída de la iconografía bizantina: el arte no recibe estímulo del gobierno, que está comprometido en la lucha contra el Islam y los disturbios internos, no hay pintores de íconos talentosos, la creatividad en la creación de tipos de pintura de íconos se seca. El arte de la pintura de iconos se ha extinguido. Es cierto que todavía vivía en los monasterios de Athos y en el siglo XVI. incluso alcanzó cierta prosperidad bajo el famoso pintor de iconos Panselin, pero la triste situación política del país no permitió una mayor prosperidad de la pintura de iconos.
Historia de la pintura de iconos en Rusia. La pintura de iconos rusos es una de las ramas del arte bizantino. Los rusos, habiendo adoptado el cristianismo, tomaron prestada de los griegos toda la parafernalia del culto ortodoxo, íconos, etc. Santa Olga, Santa. El príncipe Vladimir, después de haber sido bautizado, trajo íconos a Rusia; Vladimir llamó a maestros griegos para pintar sus templos. Siguiendo su ejemplo, otros príncipes y varios constructores en general actuaron los templos de dios . Pronto aparecieron también maestros rusos, por ejemplo. profesor Alypiy Pechersky, pero todos eran estudiantes de los griegos y estudiaron según los modelos griegos, que copiaron. No se podía esperar una creatividad independiente por parte de Rusia, ya que antes de la adopción del cristianismo, el arte estaba en su infancia, después de lo cual la vida política del país (la lucha específica, el yugo mongol) impidió que el arte lograra la independencia. La pintura de iconos en Rusia se consideraba una ocupación honorable, los pintores de iconos eran tratados con respeto, como personas de los más altos laicos ordinarios. Se sabe que algunos obispos se dedicaban a escribir iconos, por ejemplo. San Pedro de Moscú Con el tiempo, el arte de la pintura de íconos se extendió por todas partes, ya que la necesidad de íconos aumentó con la expansión del cristianismo. Sin mencionar los principales centros de la ilustración de entonces: Kiev, Novgorod, luego Moscú, muchas personas se dedicaban a la pintura de íconos en Vologda, Ustyug, Yaroslavl, Kostroma, Suzdal, etc. Gente simple, incluso personas analfabetas que no recibieron ningún arte. educación, comenzó a dedicarse a este oficio; no les importaba el arte de los íconos, sino que perseguían objetivos comerciales, se preocupaban por su venta, pintaban íconos "rápidamente, sin cuidado y no de acuerdo con las mejores muestras". Esto condujo al declive de la pintura de iconos. El triste estado de la iconografía hizo que se tomaran medidas para levantarla en la Catedral de Stoglavy. Este último colocó a los pintores de iconos bajo la supervisión suprema del clero. Con respecto a la esencia de la pintura de íconos, la catedral comentó brevemente: "los grandes pintores de íconos" deben pintar a partir de modelos antiguos y "no describir a la Deidad por autoinvención y sus propias conjeturas". Así, los padres de la catedral convirtieron la iconografía en una simple copia y al mismo tiempo determinaron su actitud hacia aquellas innovaciones occidentales que comenzaban a colarse en la iconografía rusa. En el siglo XV. Aumento de las relaciones entre Rusia y Europa Occidental. En parte por llamado del gobierno, en parte por su propia iniciativa, varios tipos de artesanos, artistas, comerciantes comenzaron a correr hacia Rusia. Fueron ellos quienes introdujeron a los rusos en la pintura occidental y los iconos pintados en el nuevo estilo. A los rusos les gustaron tanto algunas de las historias que las tomaron prestadas para ellos. Iconos occidentales aparecieron en las iglesias. Las autoridades eclesiásticas tuvieron que luchar contra la influencia occidental, que las instauró a seguir los antiguos modelos griegos y rusos. La definición se repitió muchas veces, pero no pudo destruir la inclinación a imitar los modelos artísticos occidentales, como lo demuestran tanto el Concilio de 1667 como el Patriarca Joaquín en sus cartas. Las definiciones de la Catedral de Stoglavy hicieron poco para ayudar a la causa. Todas las deficiencias en la pintura de íconos continuaron existiendo y luego provocaron nuevos argumentos en el concilio de 1667. Y este concilio repitió la visión de Stoglavy sobre la esencia de la pintura de íconos, pero, a diferencia de él, colocó la pintura de íconos bajo la supervisión de los mejores pintores de íconos; A los malos pintores de iconos se les prohibió completamente escribir. No está claro cómo se organizó la supervisión. Algo más tarde, bajo Pedro el Grande, por decreto de 1703, se estableció una “cámara de condados”, subordinada al superintendente. Se le instruyó que se ocupara de que los íconos fueran pintados "magnífica y convenientemente de acuerdo con los antiguos originales e imágenes atestiguados". Pronto se abolió la "cámara de los condados", ya que no logró su objetivo. Actualmente, existen leyes especiales contra la distribución de iconos feos entre la gente. Es imposible condenar la iconografía del pasado sin excepción; También hubo aspectos positivos. Entre los pintores de iconos se encontraban personas destacadas por su talento, que nos dieron excelentes ejemplos de iconos: Andrei Rublev (siglo XV), a quien los padres de la catedral se referían como modelo, Simon Ushakov, el pintor real de iconos, que aportó un importante renacimiento del negocio de la pintura de iconos en el siglo XVII. En contraste con los pintores de íconos ordinarios, luchó por la belleza y la "vida" en sus íconos. Pero tales personalidades, dándonos los mejores ejemplos de íconos, no dejaron una influencia más notable en la pintura de íconos: la mayoría de los pintores de íconos continuaron contentándose con las formas anteriores.
La técnica de la pintura de iconos es muy sencilla. Para el ícono, se eligió un tablero seco, sujeto con "tacos"; su centro estaba ahuecado, pegado; Se superpusieron "Pavoloka", "gesso", planchados con "cola de caballo", y se escribió una imagen en este "gesso". De las pinturas, las siguientes fueron especialmente populares: cormorán veneciano, bermellón, yar veneciano, rollos de col, cardenillo (verde), cal alemana, vokhra, etc. Los mismos pintores de iconos se dividieron en varias clases según la diferencia de especialidades: algunos de ellos se dedicaron a dibujar el dibujo del icono y se llamaron "firmantes", otros escribieron solo cabezas y se llamaron "facialistas", otros pintaron el resto de la imagen desde los pies hasta las caras y se llamaron "dolichnye"; luego hubo especialistas especiales para pintar el medio ambiente: árboles, hierba, etc., llamados "herbolarios"; el oro fue aplicado por "pintores de oro", etc. Entonces, el mismo ícono, antes de aparecer a la luz de Dios, tuvo que pasar por 5-10 manos. De esto queda claro que tal icono no podía satisfacer el requisito de unidad y arte: era un molde mecánico de elementos heterogéneos y, por lo tanto, una obra de artesanía, no de arte. Había guías especiales para la pintura de íconos: "originales de pintura de íconos", que determinan hasta el más mínimo detalle todas las formas iconográficas, cómo se debe representar a una u otra persona, evento, con qué ropa, bajo qué circunstancias, qué inscripciones en el ícono debe se supone, lo de ambientación de imágenes, etc., todas las técnicas. Algunos originales son "faciales", es decir, con dibujos, otros son "sensibles", con algunos esbozos de dibujos o incluso sin ellos, pero con notas detalladas sobre cómo pintar iconos. Los originales se originaron en Bizancio, cuando terminó el período de formación de la iconografía bizantina en los siglos XI-XII. En la actualidad, se ha descubierto un original griego, que data solo de los siglos XVII-XVIII, mientras que en Rusia se conocen originales incluso anteriores, del siglo XVI.
La pintura de iconos rusos se divide en "escuelas". Distinguen las escuelas Novgorod, Stroganov, Moscú y algunas otras. Pero estas escuelas no pueden entenderse en el sentido europeo occidental. escuela de arte en Europa Oriental era un círculo estrechamente unido en torno a un artista destacado: tenía una visión especial de las tareas del arte, tenía sus propias simpatías por ideales bien conocidos, y era una escuela idealista o realista; uno representaba temas predominantemente religiosos, el otro, escenas cotidianas, etc.; ha asimilado ciertos conceptos de color, ciertas técnicas, etc. Según estos rasgos, los entendidos en arte los distinguen sin mucha dificultad. No fue así en Rusia: el principio básico de "pintar iconos según los mejores modelos" era igualmente obligatorio para todos los pintores de iconos; Las tramas de pintura de iconos y su expresión en todos los detalles fueron prescritas por la tradición y no se suponía que las desviaciones estuvieran aquí. Toda la diferencia estaba sólo en la preferencia de los pintores de iconos de unos colores a otros, en el tamaño de los iconos, en las diferentes proporciones de las figuras; sin embargo, estas diferencias no siempre se mantienen consistentemente. Por lo tanto, los íconos de Novgorod se caracterizan por colores sombríos, el predominio de vohra y la brevedad de las figuras; en Moscú - los rostros de los santos son más suaves, en lugar de severos - ternura, el color es más claro; Los iconos de Stroganov se distinguen por su cuidado acabado y colores vivos. Los pintores de Stroganov lograron un grado particularmente alto de perfección en las imágenes pequeñas: en un espacio pequeño logran reproducir muchas figuras pequeñas, inscripciones y terminar cuidadosamente todos los detalles. Para tal señas de identidad es difícil distinguir una escuela de otra. Las escuelas rusas de pintura de iconos no tenían una organización definida. Repartidos por vastas extensiones, los pintores de iconos dominaron con destreza uno u otro de los estilos antes mencionados, transmitieron sus técnicas a sus sucesores y no se preocuparon lo más mínimo por el progreso. Solo se puede hacer una excepción para la escuela de Moscú, en cuyo centro se encontraba el llamado. escuela real. Era toda una institución gubernamental con sus propios objetivos especiales, distinciones de rango de pintores de iconos e instrucciones. Las personas pertenecientes a esta escuela estaban a disposición inmediata del rey: cumplían las órdenes del rey, utilizaban salarios, manutención. En casos de emergencia, fueron dados de alta para ayudar a los pintores reales de diferentes lugares de Rusia, los llamados. “pintores de iconos severos”, que utilizaron el contenido durante la duración del trabajo, y después de la finalización del trabajo regresaron a sus actividades habituales. La calificación artística de los pintores de iconos "reales" no era alta: todo lo que se requería era la capacidad de pintar a partir de muestras confeccionadas bajo la guía de los abanderados; por otro lado, se les hicieron exigencias de carácter moral: juraron, al asumir el cargo de pintor real de iconos, no beber, no murmurar, cumplir con sus deberes con honestidad y conciencia. En esta posición, la pintura de iconos continuó existiendo en los siglos XVIII y XIX, con la diferencia de que con las reformas de Pedro el Grande, la influencia occidental aumentó y comenzó la imitación servil de los modelos occidentales (la llamada carta Fryazhsky).
En los últimos años se ha prestado especial atención a la racionalización de la pintura de iconos, a la mejora del gusto de los pintores de iconos. Comenzaron a establecer escuelas para ellos, talleres ejemplares para la preparación de pintores de iconos conocedores y experimentados. Algunos artistas, por ej. Vasnetsov, Nesterov, recurrieron al estudio de los mejores ejemplos antiguos de pintura de íconos y, sobre la base de este conocimiento, armados con todo el conocimiento de las técnicas de pintura modernas, crearon maravillosos ejemplos de íconos en un estilo estrictamente eclesiástico. Finalmente, en marzo de 1901, se estableció el “Comité para la Tutela de la Pintura Rusa de Iconos”. Su propósito es encontrar medidas para asegurar el desarrollo de la pintura de íconos rusos; preservación en él de la fructífera influencia de muestras artísticas de la antigüedad rusa y la antigüedad bizantina; asistencia a la pintura de iconos para lograr su perfección artística. Se otorgó al Comité el derecho de abrir escuelas de pintura de iconos, para promover el establecimiento de artels de pintores de iconos en las escuelas y fuera de ellas; publicar guías para pintores de iconos; abrir tiendas de íconos, organizar exposiciones, organizar museos, etc. Se espera que las medidas tomadas para elevar la pintura de íconos rusos no pasen sin dejar rastro y reanude días mejores para él.
Iconografía al Oestemi. La iconografía en Occidente comienza a separarse de la bizantina a partir de los siglos XIII-XV, desde el momento en que los ideales de la antigüedad antigua, transferidos de la pintura secular, ganaron dominio en ella. Desde entonces, los llamados estilo italiano. Su principal diferencia con la oriental es que en Occidente en la pintura de iconos cuidan las formas de la imagen, y en Oriente expresan la idea de espiritualidad y santidad de la persona retratada. La primera se distingue por la corrección del dibujo, un profundo estudio de la anatomía del cuerpo humano, la correcta colocación de luces y sombras, el respeto por el color, el conocimiento de la perspectiva, pero es demasiado artificial y, por el afán de vistosidad, no es del todo adecuado para representar al sacerdote. personas donde se debe manifestar la sencillez y la humildad. La iconografía griega es inferior a la occidental en estos aspectos, pero es superior en la estricta observancia de la tradición eclesiástica. De ahí que la iconografía griega tenga un carácter predominantemente espiritual, mientras que la iconografía occidental pasa a la pintura y satisface un sentimiento más estético.
Para pintura simbólica, véanse los artículos: Catacumbas cristianas y Símbolos cristianos.
* Boris Ivánovich Gruzdev,
Doctorado en Teología
SPb. academia espiritual.
Fuente del texto: Enciclopedia teológica ortodoxa. Volumen 5, columna. 825. Edición Petrogrado. Apéndice de la revista espiritual "Wanderer" para 1904. La ortografía es moderna.
Esto es mucho más difícil de lograr.
La dificultad también radica en el hecho de que desde el siglo XVIII, el ícono canónico ha sido reemplazado por íconos de la llamada escritura “académica”, de hecho, pinturas sobre temas religiosos. Este estilo de pintura de íconos, que se caracteriza por una franca admiración por la belleza de las formas, enfatiza la decoración y la pompa de la decoración del tablero de íconos, llegó a Rusia desde Occidente y se desarrolló especialmente en el período posterior a Petrino, durante el período sinodal. período en la historia de la Iglesia Ortodoxa Rusa.
Y, en este caso, es legítimo preguntarse: ¿qué es un icono y qué es una imagen? ¿Es posible el renacimiento espiritual a partir de la contemplación de una pintura, o solo puede ser el resultado de estar de pie en oración frente a un icono?
Los defensores de un enfoque "pictórico" de la forma externa de las imágenes sagradas a menudo tienen la siguiente pregunta: ¿por qué ahora, en un mundo donde un entorno estético visual completamente diferente, diferente de la era lejana de la formación de la iconografía, es necesario adherirse? a los métodos canónicos de representación? Son muy extraños desde el punto de vista de la alfabetización visual realista: se violan las proporciones de las figuras, se distorsiona la transferencia de la textura de los materiales, no hay principios de perspectiva lineal.
¿No servirá esto como una especie de argumento en defensa de la idea primitiva de que los antiguos pintores de iconos simplemente no tenían habilidades elementales en el dibujo? ¿Y no es mejor, en este caso, tener cuadros bien pintados en las iglesias?
Después de todo, en los siglos XIX y XX, ¿estaba permitido realizar murales en iglesias e íconos de oración en las tradiciones de la pintura académica? Y ejemplos de esto son la Catedral de San Isaac en San Petersburgo o la Catedral de San Vladimir en Kiev.
La mejor manera de responder a estas preguntas es utilizar análisis comparativo iconos y pinturas - pinturas, en las que se deben distinguir las principales diferencias externas, estilísticas e internas, teológicas.
Primero sobre los internos.
Una imagen (y una imagen debe entenderse no solo como obras de naturaleza secular, sino también como pinturas sobre temas religiosos) es una imagen artística creada por la imaginación creativa del artista y es una forma de transmitir su propia visión del mundo. La actitud, a su vez, depende de razones objetivas: la situación histórica, el sistema político, el tipo y carácter de la propia personalidad del artista, y la forma de su vida. Todos los artistas destacados supieron sentir lo que emociona a sus contemporáneos y, refractando a través de ellos mismos el nervio social de la época, dejaron en el lienzo una imagen artística concentrada de su tiempo.
Un icono es una revelación de Dios, expresada en el lenguaje de líneas y colores, que se da tanto a toda la Iglesia como a un individuo. La cosmovisión del pintor de iconos es la cosmovisión de la Iglesia. El icono está fuera de tiempo, es un reflejo de la alteridad en nuestro mundo.
En un icono, como en una pintura, hay una generalización según un principio bien definido: lo general se expresa a través de lo particular. Pero en la imagen este particular es puramente personal, características únicas. Por lo tanto, la imagen tiene una marcada individualidad del autor. Encuentra su expresión en una forma pictórica peculiar, métodos específicos de composición, en un esquema de color colorista.
Se oculta deliberadamente la autoría del pintor de iconos, ya que el icono es una creación conciliar; la pintura de iconos no es autoexpresión, sino servicio y trabajo ascético. Si el artista pone su firma en la imagen terminada, lo que significa no solo la autoría, sino también la medida de responsabilidad por el trabajo, entonces el nombre de la persona cuyo rostro se muestra en el tablero de íconos se inscribe en el ícono. En el sentido ontológico, hay una combinación de nombre e imagen.
La imagen debe ser emotiva, ya que el arte es una forma de conocimiento y reflexión del mundo a través de los sentimientos. La imagen pertenece al mundo espiritual.
El pincel del pintor de iconos es impasible: las emociones personales no deben tener cabida. En la vida litúrgica de la Iglesia, el icono, como la manera de leer las oraciones del salmista, está deliberadamente desprovisto de emociones externas; la empatía con las palabras habladas y la percepción de los símbolos iconográficos se dan a nivel espiritual.
El icono es un medio de comunicación con Dios y sus santos.
Antes de proceder a comparar las características estilísticas de la pintura y la pintura de iconos, debe decirse que el lenguaje pictórico de las imágenes sagradas cristianas se desarrolló en etapas y la sinergia de lo interior - sagrado, y lo exterior - figurativo-emocional, que se formó sobre el siglos, recibió su expresión final en las reglas y directrices del canon de la pintura de iconos. Un icono no es una ilustración de la Sagrada Escritura y de la historia de la Iglesia, ni el retrato de un santo, aunque la Iglesia siempre ha tenido en cuenta la función cognoscitiva e iluminadora de las imágenes sagradas. icono para Cristiano ortodoxo sirve como una especie de mediador entre el mundo sensible tangible y el mundo inaccesible a la percepción ordinaria, el mundo que se conoce sólo por la fe. En otras palabras, el icono está llamado a mostrar la belleza perdida y la alteridad del mundo anterior a la caída, ya proclamar el mundo venidero, cambiado y transfigurado. Y el canon, como forma estrictamente regulada de transmitir esta disimilitud, no permite que el icono descienda al nivel de la pintura secular.
Como ahora hablaremos de detalles, debemos estar de acuerdo en que el ícono significará no solo los íconos en sí, sino también los murales y la imagen, obras realizadas en las tradiciones de la alfabetización visual realista, es decir, de una manera tan pintoresca. que se desarrolló en la era del Renacimiento italiano.
Primera diferencia.
El icono se caracteriza por una convencionalidad subrayada de la imagen. No es tanto el objeto en sí lo que se representa como la idea del objeto; todo está sujeto a la revelación del significado interior. De ahí las proporciones "deformadas", por regla general, alargadas de las figuras: la idea de la carne transformada que vive en el mundo celestial. El icono no tiene ese triunfo de la corporalidad que se ve, digamos, en los lienzos de Rubens.
El principio de representar un objeto en perspectiva inversa (izquierda) y en perspectiva directa (derecha)
Perspectiva directa en una pintura.
La tercera diferencia.
Sin fuente de luz externa. La luz surge de rostros y figuras, de sus profundidades, como símbolo de santidad. Hay una maravillosa comparación de la pintura de iconos con la pintura de luz. De hecho, si observa cuidadosamente el ícono de la escritura antigua, es imposible determinar dónde se encuentra la fuente de luz y, en consecuencia, las sombras que caen de las figuras no son visibles. El icono es luminífero y los rostros se modelan debido a la luz que brota del interior de los propios rostros. Técnicamente, esto se hace en una forma especial de escritura, en la que la capa de base blanca, yeso, brilla a través de la capa de pintura. Tal tejido de imágenes de la luz nos hace volver a conceptos teológicos como el hesicasmo y el humanismo, que, a su vez, surgieron del testimonio evangélico de la Transfiguración de nuestro Señor en el Monte Tabor.
Perspectiva inversa en icono
La cara en el ícono (izquierda) y la cara en la imagen (derecha)
Seis días después, tomó Jesús a Pedro, a Santiago y a Juan, su hermano, y los llevó solos a un monte alto, y se transformó delante de ellos: y su rostro resplandeció como el sol, y sus vestidos se volvieron blancos como la luz ().
La mitad del siglo XIV estuvo marcada por una larga controversia entre dos corrientes teológicas que interpretaban de diferente manera la naturaleza de la Luz Divina del Tabor: los hesicastas y los humanistas. Los humanistas creían que la luz con la que brilló el Salvador es la luz que fue revelada por el Salvador en un momento determinado; esta luz tiene una naturaleza puramente física y por lo tanto es accesible a la visión terrenal. Los hesicastas, que en griego significa “silencioso” o “silencioso”, argumentaban que esta luz es inherente a la naturaleza del Hijo de Dios, pero está oculta por la carne, y por tanto sólo puede verse con visión iluminada, es decir, los ojos de una persona altamente espiritual. Esta luz es increada, es inherente a lo Divino desde el principio. En el momento de la Transfiguración, el Señor mismo abrió los ojos de los discípulos para que pudieran ver lo que era inaccesible a la visión ordinaria.
Por supuesto, el hesicasmo, como una cosmovisión cristiana holística, un camino especial a través de las puertas estrechas del ascetismo ortodoxo hacia la deificación, el camino de la oración incesante: la acción inteligente, no tiene una relación directa con las imágenes sagradas. Si bien existe una opinión generalizada de que fue el hesicasmo lo que permitió que la pintura de íconos sobreviviera en su totalidad, hizo posible reconocer al ícono como un objeto que, en su esencia sagrada, es accesible no a la visión ordinaria, sino a la ilustrada, mientras que el humanismo contribuyó al renacimiento del icono en la pintura secular.
Hablando de la luz en los iconos, es necesario tocar un detalle tan característico de la iconografía como son los halos. Nimbus, como símbolo de santidad, embriaguez con la luz divina, es la característica más importante de las imágenes sagradas cristianas. Sobre el Iconos ortodoxos el halo es un entorno que es integral con la figura del santo. Para las imágenes y pinturas sagradas católicas occidentales, es característico un arreglo diferente: un halo en forma de círculo cuelga sobre la cabeza del santo. Se puede concluir que la versión católica de la aureola es una recompensa otorgada al santo desde el exterior, mientras que la versión ortodoxa es una corona de santidad nacida desde el interior. La tradición ortodoxa de representar un halo implica la combinación de dos voluntades: la voluntad de una persona que lucha por la santidad y la voluntad de Dios, respondiendo a este deseo y reviviendo en una persona esa luz inextinguible que se da a todos.
Nimbus ortodoxa (izquierda) y católica (derecha)
Cuarta diferencia.
El color no es un medio de construcción colorista del icono, tiene una función simbólica.
Por ejemplo, el color rojo en los íconos de los mártires puede simbolizar el sacrificio personal por Cristo, mientras que en otros íconos es el color de la dignidad real.
Especialmente me gustaría decir sobre el oro en los íconos. El oro es un símbolo de la luz divina, y para transmitir el resplandor de esta luz increada en los íconos, no se requerían pinturas, sino un material especial. El oro se convirtió en un material como un metal que no está sujeto a la corrosión. El oro en los iconos es la antítesis de la función del oro como símbolo de la riqueza terrenal. Halos dorados de santos. Lentejuelas doradas en sus túnicas, asistencias o inakop, un signo de participación en lo Divino por gracia.
Los sinónimos de color para el oro son ocre amarillo dorado, rojo (es decir, hermoso) y blanco. El blanco es el color de los animales de sacrificio. Por ejemplo, un cordero.
Un color negro sordo, un color a través del cual no brilla el yeso, se usa en los íconos solo en los casos en que es necesario mostrar las fuerzas del mal o el inframundo.
Quinta diferencia.
Los iconos se caracterizan por la simultaneidad de la imagen: todos los eventos ocurren a la vez. El ícono "Asunción de la Madre de Dios" representa simultáneamente a los apóstoles siendo llevados por ángeles al lecho de muerte de la Madre de Dios, y los mismos apóstoles ya de pie alrededor de la cama. Esto sugiere que los eventos de la historia sagrada que tuvieron lugar en nuestro tiempo y espacio real tienen una imagen diferente en el espacio espiritual. El evento que tuvo lugar hace veinte siglos también es efectivo ahora, está fuera del marco del espacio-tiempo, todavía tiene el mismo efecto sobre el objetivo principal de la Encarnación: la salvación de todas las almas humanas de la muerte eterna.
Icono "Asunción de la Madre de Dios"
Interpretación muy interesante e ingenua del significado. eventos del evangelio para todos los tiempos y pueblos artistas occidentales. Por ejemplo, "La Natividad de Juan el Bautista" de Tintoretto representa el interior de una rica casa italiana, y las personas están representadas con ropa que pertenece a la época en que vivió el artista. En las pinturas de los maestros del Renacimiento del Norte, uno puede encontrar personas vestidas con túnicas características de los habitantes de Palestina en el primer siglo después de la Natividad de Cristo y, al mismo tiempo, caballeros medievales con armadura. Por supuesto, en muchos casos, este estilo fue el resultado de un elemental desconocimiento de la arquitectura mundial y el vestuario, pero parece que inicialmente todavía era un concepto bien pensado de la imagen.
Pintura de Tintoretto "El nacimiento de Juan el Bautista" (arriba)
Rogier van der Weyden Adoración de los Reyes Magos (abajo)
El ícono canónico no tiene detalles aleatorios o decoraciones desprovistas de significado semántico. Incluso el salario, la decoración de la superficie frontal del tablero de iconos, tiene su propia razón de ser. Esta es una especie de velo que protege el santuario, escondiéndolo de miradas indignas.
Estas, en términos generales, son las principales diferencias entre un icono y una pintura.
En este análisis, solo se consideraron dos posiciones: teológica y estilística. Pero también hay un tercero: esta es la percepción del ícono y la imagen por parte de una persona y, lo más importante, su actitud hacia ellos.
Imagina dos coleccionistas que obtienen una daga única hecha por un artesano destacado. El primer coleccionista, una persona no religiosa, aceptará gustosamente tal artículo en su colección. A pesar de que esta daga es un instrumento de un culto satánico y sirvió para el sacrificio humano. Quizás tal conocimiento sobre el tema en la mente de este coleccionista solo le dará un estatus aún mayor a esta exhibición. Colocará la daga en un lugar visible y admirará el virtuosismo de su decoración.
Otro coleccionista, aunque no profundamente religioso, pero al menos luchando por los valores cristianos, se estremecerá ante tal adquisición.
Este ejemplo es evidencia de que el conocimiento sobre el propósito de un objeto, la evaluación de su afiliación funcional, depende directamente de qué sentimientos y emociones despierta este objeto en una persona. Es poco probable que la imagen, cuyo colorido golpea con el refinamiento de los colores, y la composición con la proporcionalidad y armonía de todos los elementos, encuentre una verdadera respuesta en el corazón de un cristiano si su idea es la justificación del mal del mundo.
Por supuesto, la belleza externa de un objeto sin su propósito pronunciado simplemente no puede existir. Lo interno en un objeto influye activamente en lo externo, y el instrumento del asesinato ritual, en cuya hoja se sienten implícitamente rastros de sangre, no puede llamarse verdaderamente hermoso.
La verdadera belleza es la unidad de forma y contenido, además, de un contenido que está indisolublemente ligado al Creador de la belleza. Un ejemplo es la imagen de la Cruz o la imagen de la Crucifixión. Se introdujo nuevo contenido en la esencia de la vergonzosa y terrible ejecución, y este contenido transformó tanto su esencia que tanto la herramienta de ejecución como la ejecución misma sirvieron como prototipo tanto para íconos como para pinturas, y la imagen de la herramienta de ejecución comenzó a ser venerado como sagrado.
Reverencia. Esta palabra es la clave para comprender el papel del icono en el desarrollo espiritual de una persona y el papel de las bellas artes en la educación mental y emocional del individuo. ¿Puede una pintura convertirse en objeto de reverencia? Indudablemente. Los mejores ejemplos de pintura tienen un gran valor estético y material. No solo se venera el mérito artístico del lienzo, sino también la manifestación del poder creador de una persona, y no necesariamente de un autor en particular, sino de una persona en general, una persona como creación de Dios, como semejanza del Creador. , dotado de la capacidad de crear.
Entonces, parece que todo es simple: contemplamos una imagen, una obra de arte, y nos paramos frente a una imagen sagrada, un ícono, en oración. Pero esta sencillez es evidente. La diferencia entre un objeto destinado a propósitos religiosos y un objeto cuyo propósito es el placer estético no siempre se expresa sin ambigüedades en el campo de la percepción humana. La pintura, especialmente la pintura sobre temas religiosos, también puede provocar la transformación del alma humana, como un icono.
La veneración de los iconos no es sólo un principio dogmático. Esta es también una experiencia mística de experimentar una realidad diferente.
La iglesia venera a cientos iconos milagrosos, se han creado oraciones, akathists dedicados a ellos; en el círculo litúrgico anual hay días de su homenaje.
El filósofo Nikolai Mikhailovich Tarabukin expresó de manera muy breve y precisa la esencia de la veneración de los íconos milagrosos: “Toda religión y todo lo relacionado con ella es milagroso, porque todo lo que es efectivo en el sentido religioso es el resultado de una conexión misteriosa entre un ser creyente y la Divina Providencia... La realización de milagros a través de un icono es un acto efectivo de los esfuerzos de la mente del creyente, vueltos con oración a Dios, y el acto de condescendencia de la gracia de Dios en respuesta a los esfuerzos devotos del creyente. creyente.
Resumiendo todo lo anterior, podemos concluir que la tarea principal iconos - para mostrar la realidad del mundo espiritual. En contraste con la imagen, que transmite el lado sensual y material del mundo. La imagen es un hito en el camino del desarrollo estético de una persona; el icono es un hito en el camino de la salvación.
Pero en cualquier caso, un icono es siempre un santuario, no importa de qué manera pictórica se ejecute. Lo principal es sentir siempre el grado de responsabilidad del pintor de iconos por su trabajo con el que representa: la imagen debe ser digna del prototipo.
